Eric Gale • Forecast

Biography:

Eric Gale was a top studio guitar man, and a first call session player on many dates from the '50's through the '90's. His reliable accompaniment can be appreciated on scores of records as a sideman, and through his own efforts as leader.

Born Sept. 20, 1938 in Brooklyn of Barbadian parents, Gale studied chemistry at Niagara University. He took up the double bass when he was 12 years old and also played tenor saxophone, trombone and tuba before he chose the guitar. The basis of his style was formed on the 50s and 60s R&B circuit.

He was with the Drifters, Jackie Wilson, the Flamingos and Maxine Brown, before playing in the 60s with King Curtis, Jimmy Smith, David “Fathead” Newman, Mongo Santamaria and Aretha Franklin.

In the early 70s Gale became the house guitarist with Creed Taylor's new CTI Records label. Gale’s association with Creed Taylor began when the celebrated producer was working at Verve Records. Curiously, their first sessions together, on August 18 and October 24, 1966, were part of a Johnny Hodges album titled “Blue Notes;” a very peculiar name for a Verve LP!

During the A&M/CTI years, Eric Gale was heard on albums by Herbie Mann, Soul Flutes, Richard Barbary, Quincy Jones, and J.J. Johnson & Kai Winding. When CTI became a completely independent label, he became the house guitarist for one of its subsidiary labels, Kudu Records, appearing on the first album issued under the Kudu logo: Johnny Hammond’s “Breakout.” Many other sessions followed and, on January 1973, Creed Taylor finally allowed him to record as a leader.His album “Forecast,” was well received and gained him broader recognition outside of just his sideman role.

Even after Eric Gale signed with Columbia, he continued to record as a sideman for Creed. Besides performing as rhythm guitarist on George Benson’s sessions which yielded the albums “Good King Bad,” “Benson & Farrell,” and “Pacific Fire,” he appeared as a featured soloist on Bob James’ last album for CTI, “BJ 4,” as well as on Lalo Schifrin’s two albums for CTI in 1976, “Black Widow,” and “Towering Toccata.”

For Kudu, Gale kept recording until 1977, on albums by Grover Washington, Jr. (Soul Box, Mister Magic, Feels So Good, A Secret Place), Esther Phillips (Capricorn Princess), Idris Muhammad (House of The Rising Sun, Turn This Mutha Out), and Hank Crawford (I Hear A Symphony, Hank Crawford’s Back, Tico Rico). Then, in September 1981, he was reunited again with Creed Taylor during the sessions for “Silk,” the second album by the all-star project Fuse One.

He was in 1975, a founder of the influential funk band Stuff along with artists including Steve Gadd, Cornell Dupree and Richard Tee. They played regularly at Mikell's in Manhattan with only minimal rehearsal, and released four popular albums for Warner Brothers.

In the early 90s he performed as a regular band member in several US television shows. Gale thought like a frontline musician and played like a saxophonist. Gale’s big popularity in Japan is mainly the result of many tours with the legendary Stuff group (which did a best-selling live album at Yubin-Chokin Hall in 1978), Sadao Watanabe (How’s Everything ” Live at Budokan in 1980) and Dave Grusin (Grusin and The NY-LA Dream Band, also at Budokan, in 1982).

Gale was presented by bassist/producer Ron Carter on a strictly jazz date in 1987, for the album “In A Jazz Tradition.” With tenor saxophonist Houston Person, organist Lonnie Smith, and drummer Grady Tate completing the quintet, the music is soul-jazz with a strong dose of bebop. Since Eric Gale rarely recorded in this type of freewheeling group, the swinging set was his definitive jazz recording.

He continued to tour Japan regularly, sometimes three times a year, until 1993.In 1994, soon after performing on Al Jarreau’s “Tenderness” album (fortunately documented on video), Gale passed away on May 25, 1994, in Baja, California.

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Biografía:

Eric Gale fue un guitarrista de estudio de primera clase, y un músico de sesión de primera llamada en muchas fechas de los años 50 a los 90. Su confiable acompañamiento puede ser apreciado en decenas de discos como sideman, y a través de sus propios esfuerzos como líder.

Nacido el 20 de septiembre de 1938 en Brooklyn de padres barbadenses, Gale estudió química en la Universidad de Niágara. Comenzó a tocar el contrabajo a los 12 años y también tocó el saxo tenor, el trombón y la tuba antes de elegir la guitarra. La base de su estilo se formó en el circuito R&B de los años 50 y 60.

Estuvo con los Drifters, Jackie Wilson, los Flamingos y Maxine Brown, antes de tocar en los 60 con King Curtis, Jimmy Smith, David "Fathead" Newman, Mongo Santamaría y Aretha Franklin.

A principios de los 70 Gale se convirtió en el guitarrista de la casa con el nuevo sello de Creed Taylor, CTI Records. La asociación de Gale con Creed Taylor comenzó cuando el célebre productor trabajaba en Verve Records. Curiosamente, sus primeras sesiones juntos, el 18 de agosto y el 24 de octubre de 1966, formaron parte de un álbum de Johnny Hodges titulado "Blue Notes"; ¡un nombre muy peculiar para un LP de Verve!

Durante los años de A&M/CTI, Eric Gale fue escuchado en álbumes de Herbie Mann, Soul Flutes, Richard Barbary, Quincy Jones, y J.J. Johnson & Kai Winding. Cuando CTI se convirtió en un sello completamente independiente, se convirtió en el guitarrista de uno de sus sellos subsidiarios, Kudu Records, apareciendo en el primer álbum publicado bajo el logo de Kudu: "Breakout" de Johnny Hammond. Muchas otras sesiones siguieron y, en enero de 1973, Creed Taylor finalmente le permitió grabar como líder. Su álbum "Forecast", fue bien recibido y le ganó un reconocimiento más amplio, aparte de su papel de sideman.

Incluso después de que Eric Gale firmara con Columbia, continuó grabando como sideman para Creed. Además de actuar como guitarrista rítmico en las sesiones de George Benson que dieron lugar a los álbumes "Good King Bad", "Benson & Farrell" y "Pacific Fire", apareció como solista en el último álbum de Bob James para CTI, "BJ 4", así como en los dos álbumes de Lalo Schifrin para CTI en 1976, "Black Widow" y "Towering Toccata".

Para Kudu, Gale siguió grabando hasta 1977, en álbumes de Grover Washington, Jr. (Soul Box, Mister Magic, Feels So Good, A Secret Place), Esther Phillips (Capricorn Princess), Idris Muhammad (House of The Rising Sun, Turn This Mutha Out), y Hank Crawford (I Hear A Symphony, Hank Crawford's Back, Tico Rico). Luego, en septiembre de 1981, se reunió de nuevo con Creed Taylor durante las sesiones de "Silk", el segundo álbum del proyecto estrella Fuse One.

En 1975, fue uno de los fundadores de la influyente banda de funk Stuff junto con artistas como Steve Gadd, Cornell Dupree y Richard Tee. Tocaron regularmente en Mikell's en Manhattan con sólo un mínimo de ensayo, y lanzaron cuatro álbumes populares para Warner Brothers.

A principios de los 90 actuó como miembro regular de la banda en varios programas de televisión de EE.UU. Gale pensaba como un músico de primera línea y tocaba como saxofonista. La gran popularidad de Gale en Japón es principalmente el resultado de muchas giras con el legendario grupo Stuff (que hizo un álbum en vivo de gran venta en el Yubin-Chokin Hall en 1978), Sadao Watanabe (How's Everything " Live at Budokan en 1980) y Dave Grusin (Grusin and The NY-LA Dream Band, también en Budokan, en 1982).

Gale fue presentado por el bajista/productor Ron Carter en una fecha estrictamente de jazz en 1987, para el álbum "In A Jazz Tradition". Con el saxofonista tenor Houston Person, el organista Lonnie Smith y el baterista Grady Tate completando el quinteto, la música es soul-jazz con una fuerte dosis de bebop. Como Eric Gale rara vez grabó en este tipo de grupo libre, el swinging set fue su grabación definitiva de jazz.

Continuó haciendo giras por Japón con regularidad, a veces tres veces al año, hasta 1993. En 1994, poco después de actuar en el álbum "Tenderness" de Al Jarreau (afortunadamente documentado en vídeo), Gale falleció el 25 de mayo de 1994 en Baja California.

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Ron Carter • When Skies Are Grey

 

Review by David R. Adler

This beautiful, Latin-themed album by bass superpower Ron Carter almost can stand in as a Stephen Scott showcase, for the young pianist's verve and finesse are in evidence from start to finish. Carter reserves plenty of solo room (and a number of melody statements) for himself, however. Drummer Harvey Mason and percussionist Steve Kroon work together to create a luxurious, flowing Latin vibe that makes each tune a true listening pleasure. One highlight is the group's slow, polyrhythmic take on Jobim's "Corcovado." Another is a grooving version of Carter's "Loose Change," a tune that appeared in a very different light on Joe Henderson's State of the Tenor album. Scott woos with his bluesy delicacy on "Que Pasa," another Carter original, and swings exuberantly on fellow pianist Ray Bryant's "Cubano Chant." Carter's brief quote of "Seven Steps to Heaven" during the closing original, "Mi Tempo," is enough to make one skip a heartbeat. When Skies Are Grey contains nothing ambitious or wildly innovative -- just great, accessible music. Fans of Stephen Scott in particular can't miss with this one.

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Revisión por David R. Adler

Este hermoso álbum, de temática latina, del superpoder del bajo, Ron Carter, casi puede presentarse como un escaparate de Stephen Scott, ya que el entusiasmo y la delicadeza del joven pianista son evidentes de principio a fin. Sin embargo, Carter se reserva una gran cantidad de habitaciones en solitario (y varias declaraciones de melodías) para él. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajan juntos para crear un ambiente latino lujoso y fluido que hace que cada melodía sea un verdadero placer de escuchar. Un destaque es la toma lenta y polirrítmica del grupo sobre el "Corcovado" de Jobim. Otra es una versión genial de "Loose Change" de Carter, una melodía que apareció con una luz muy diferente en el álbum State of the Tenor de Joe Henderson. Scott se enamora con su delicadeza blues en "Que Pasa", otro original de Carter, y se balancea exuberantemente en el "Canto Cubano" del también pianista Ray Bryant. La breve cita de Carter de "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi tempo", es suficiente para que uno salte un latido. When Skies Are Grey no contiene nada ambicioso o tremendamente innovador, solo música genial y accesible. Los fans de Stephen Scott, en particular, no se pueden perder con este.

 

www.roncarterbass.com ...

  

Hubert Laws • Laws' Cause

 

 

Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
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El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
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Jimmy Ponder • While My Guitar Gently Weeps

 

An excellent guitarist with a soulful sound and the ability to uplift any funky jazz date, Jimmy Ponder has appeared on many recordings during his long career, over 80 as a sideman and 15 as a leader. Ponder began playing guitar when he was 14 and considers Wes Montgomery and Kenny Burrell to be his two main early influences and Wes Montgomery later on. Offered a job with Charles Earland after having only played guitar three years, Ponder waited until he graduated from high school and then spent three years with the organist's group, recording several dates with Earland. He worked and recording with Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine, and Jimmy McGriff and in the early '70s moved to New York (from Philadelphia), leading his own groups. Ponder has since recorded as a leader in the 1970s for Cadet, ABC/Impulse, TK, CBS, and Toshiba, in the '80s for Milestone, and in the '90s for Muse and HighNote. In the 21st century his albums included Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New (2005), and Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, both released in 2007.

My teenage son has recently got into the Beatles. Nothing wrong with that of course and the Fab Four are certainly an important part of a balanced musical diet. I however am old enough to remember the UK punk era of the mid-late 70’s when the Beatles, the Rolling Stones and similar “dinosaur” acts were suddenly about as fashionable as flared trousers.

At around the same time I started a lifelong love affair with (what was then called) black music: soul, funk, jazz, disco, reggae and the host of micro-genres that followed…so in those formative years the Beatles just never seemed particularly relevant to anything in my musical life. The fact that they were later worshiped by Oasis only helped to further distance me from them.

That said, the influence of Messrs Lennon and McCartney – and to a lesser extent Harrison – runs through popular music like lettering through a stick of seaside rock; meaning that fans of soul, reggae and (especially) jazz will have more than a few Beatles cover versions in their collection.

Which brings us nicely to Jimmy Ponders’ reading of the George-penned classic, While My Guitar Gently Weeps. From the 1974 Cadet LP of the same name, this is a brooding-but-funky outing and the rather abrupt fade-out only leaves us wishing for an extended, freakier version.

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Un excelente guitarrista con un sonido conmovedor y la capacidad de elevar cualquier fecha de jazz funky, Jimmy Ponder ha aparecido en muchas grabaciones durante su larga carrera, más de 80 como sideman y 15 como líder. Ponder comenzó a tocar la guitarra a los 14 años y considera que Wes Montgomery y Kenny Burrell son sus dos principales influencias tempranas y Wes Montgomery más tarde. Ofreció un trabajo con Charles Earland después de haber tocado la guitarra sólo tres años, Ponder esperó hasta que se graduó de la escuela secundaria y luego pasó tres años con el grupo del organista, grabando varias fechas con Earland. Trabajó y grabó con Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine y Jimmy McGriff y a principios de los 70 se mudó a Nueva York (desde Filadelfia), liderando sus propios grupos. Desde entonces, Ponder ha grabado como líder en los 70 para Cadet, ABC/Impulse, TK, CBS y Toshiba, en los 80 para Milestone y en los 90 para Muse y HighNote. En el siglo XXI sus álbumes incluyeron Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New (2005), y Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, ambos lanzados en 2007.

Mi hijo adolescente ha entrado recientemente en los Beatles. No hay nada malo en ello, por supuesto, y los Fab Four son ciertamente una parte importante de una dieta musical equilibrada. Sin embargo, tengo la edad suficiente para recordar la era punk del Reino Unido de mediados de los 70, cuando los Beatles, los Rolling Stones y actos similares de "dinosaurios" estaban de repente tan de moda como los pantalones acampanados.

Más o menos al mismo tiempo empecé una aventura amorosa de toda la vida con (lo que entonces se llamaba) la música negra: soul, funk, jazz, disco, reggae y la gran cantidad de microgéneros que le siguieron... así que en esos años de formación los Beatles nunca parecieron particularmente relevantes para nada en mi vida musical. El hecho de que más tarde fueran adorados por Oasis sólo ayudó a distanciarme más de ellos.

Dicho esto, la influencia de los Sres. Lennon y McCartney - y en menor medida de Harrison - corre a través de la música popular como las letras de un palo de rock de playa; lo que significa que los fans del soul, el reggae y (especialmente) el jazz tendrán más de unas cuantas versiones de los Beatles en su colección.

Lo que nos lleva a la lectura de Jimmy Ponders del clásico de George, While My Guitar Gently Weeps. Del LP Cadet de 1974 del mismo nombre, esta es una salida melancólica pero fúnebre y el abrupto desvanecimiento sólo nos deja deseando una versión más extensa y extraña.

 

Mongo Santamaria • La Bamba

 

One good hit deserves a remake, so Columbia had Mongo Santamaria redo his breakthrough record "Watermelon Man" on his second LP for the label. Indeed, it is this brighter, better-recorded version that we generally hear on the radio nowadays instead of the Battle original. Even better, though, are "Fatback" and the wildly swinging workout on "La Bamba" that kicks off the album, to which you can imagine the foxy blonde model on the cover dancing the boogaloo. Marty Sheller’s charging arrangements and trumpet are in the driver’s seat of this sports car with the Mongo engine, and Hubert Laws has a ball in his flute and tenor sax solos. Few records embodied the go-go spirit of the ’60s as well as this Latin jazz album. — Richard S. Ginell

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Un buen éxito merece un remake, por lo que Columbia hizo que Mongo Santamaria rehiciera su innovador disco "Watermelon Man" en su segundo LP para el sello. De hecho, es esta versión más brillante y mejor grabada que generalmente escuchamos en la radio hoy en día en lugar del original de Battle. Aún mejor, sin embargo, son "Fatback" y el ejercicio de "La Bamba" que da inicio al álbum, en el que puedes imaginarte la modelo rubia astuta en la portada bailando boogaloo. Los arreglos de carga y la trompeta de Marty Sheller están en el asiento del conductor de este auto deportivo con el motor Mongo, y Hubert Laws tiene una bola en su flauta y sus solos de saxo tenor. Pocos discos encarnan el espíritu go-go de los años 60, así como este álbum de jazz latino. - Richard S. Ginell

VA • Atlantic Jazzː Introspection

 

Eric Gale • Touch of Silk

 

Review by Thom Jurek
In 1980, guitarist and composer Eric Gale came off the commercial success of 1979's Part of You (produced by Ralph MacDonald) and didn't do the obvious thing. Rather than make another record that swung for the smooth jazz fences, he made a darker, deeper, funkier, and bluesier album with legendary New Orleans producer Allen Toussaint. The sessions included the cream of the Crescent City's jazz-funk crop as well as mates Charlie Earland, Grover Washington, Jr., and Idris Muhammad, three of soul-jazz's greatest lights -- with special guest Arthur Blythe on the Charlie Parker nugget "Au Privave" as a curve ball. Toussaint wrote four of the album's seven tracks, and they range from the murky blue soul-jazz of "You Got My Life in Your Hands" to the sweet, boudoir-perfect urban-styled title track. Gale is a consummate soloist, full of lilting and biting grooves, with stunning phrasing that maximizes the rhythmic effect of his high strings (such as on "War Paint"), and he never plays an extra note. The beautiful ballad "With You I'm Born Again" has Washington playing some of his most haunting soprano, and the wildly funked-up "Au Privave," a holdover from the bop generation that keeps its original flavor despite the three-instrument front line of Earland's B-3, Blythe's alto, and Gale's chunky bottom strings (which are accented in his comping through the changes), is nothing short of astonishing. This is one of the great versions of the tune, especially in this modern context, and offers solid proof of Gale's bebop roots.
https://www.allmusic.com/album/touch-of-silk-mw0000740343

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Reseña de Thom Jurek
En 1980, el guitarrista y compositor Eric Gale salió del éxito comercial de Part of You (producido por Ralph MacDonald) de 1979 y no hizo lo obvio. En lugar de hacer otro disco que se decantara por el smooth jazz, hizo un álbum más oscuro, profundo, funky y blues con el legendario productor de Nueva Orleans Allen Toussaint. Las sesiones incluyeron a la flor y nata de la cosecha de jazz-funk de la ciudad de la Media Luna, así como a sus compañeros Charlie Earland, Grover Washington, Jr. e Idris Muhammad, tres de las mayores luminarias del soul-jazz, con el invitado especial Arthur Blythe en la pieza de Charlie Parker "Au Privave" como pelotazo. Toussaint escribió cuatro de los siete temas del álbum, que van desde el turbio soul-jazz azul de "You Got My Life in Your Hands" hasta la dulce y perfecta canción urbana del título. Gale es un solista consumado, lleno de ritmos cadenciosos y mordaces, con un fraseo impresionante que maximiza el efecto rítmico de sus cuerdas altas (como en "War Paint"), y nunca toca una nota de más. La hermosa balada "With You I'm Born Again" tiene a Washington tocando algunas de sus más inquietantes sopranos, y la salvajemente funked-up "Au Privave", un remanente de la generación del bop que mantiene su sabor original a pesar de la línea frontal de tres instrumentos de Earland B-3, Blythe alto, y las cuerdas bajas gruesas de Gale (que se acentúan en su composición a través de los cambios), es nada menos que sorprendente. Esta es una de las grandes versiones de la melodía, especialmente en este contexto moderno, y ofrece una sólida prueba de las raíces bebop de Gale.
https://www.allmusic.com/album/touch-of-silk-mw0000740343

Freddie Hubbard • Polar AC

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Polar AC is a rather unusual CTI release, a collection of leftover tracks from different sessions put out by Creed Taylor after Freddie Hubbard had departed for Columbia. Despite its compilation nature, the results are quite enjoyable. Hubbard is in fine form throughout, and the supporting cast -- including George Benson, Hubert Laws, Ron Carter and Jack DeJohnette -- is top-notch. The arrangements by Don Sebesky and Bob James are typically lush, though the briefer, sparser "Son of Sky Dive" stands apart as the highlight, offering a more direct jazz setting without the orchestral overlay. An uneven but worthwhile set for CTI and Hubbard fans.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Polar AC es una entrega bastante inusual de CTI, una coleccion de temas sobrantes de diferentes sesiones publicada por Creed Taylor despues de que Freddie Hubbard se marchara a Columbia. A pesar de su naturaleza compilatoria, los resultados son bastante disfrutables. Hubbard esta en plena forma a lo largo del disco, y el elenco de apoyo -- incluyendo a George Benson, Hubert Laws, Ron Carter y Jack DeJohnette -- es de primer nivel. Los arreglos de Don Sebesky y Bob James son tipicamente exuberantes, aunque el mas breve y austero "Son of Sky Dive" se destaca como el punto culminante, ofreciendo un contexto jazzistico mas directo sin la cobertura orquestal. Un conjunto irregular pero que vale la pena para los fans de CTI y de Hubbard.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

Hubert Laws • My Time Will Come

 

Review by Scott Yanow (AllMusic):
This is a streaky affair, Hubert Laws's first recording as a leader in quite a few years. Half of the seven selections (including "It's So Crazy," "Shades of Light" and the title cut) find Laws performing a mixture of R&B and pop, with programmed rhythms and synthesizers making the music quite routine and predictable. However the other half of the CD (most notably Chopin's "Valse" and Beethoven's "Moonlight Sonata," both arranged by the flutist) finds Laws adapting some classical works to jazz with guest artists who include pianists George Duke and Joe Sample, baritonist Ronnie Laws and drummer Ndugu Chancler. While that portion has more creativity, only Hubert Laws's most loyal fans will want this release.
https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582

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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) 
Este es un asunto irregular, la primera grabación de Hubert Laws como líder en bastantes años. La mitad de las siete selecciones (incluyendo "It's So Crazy", "Shades of Light" y la pieza que da título al álbum) encuentran a Laws interpretando una mezcla de R&B y pop, con ritmos programados y sintetizadores haciendo que la música sea bastante rutinaria y predecible. Sin embargo, la otra mitad del CD (más notablemente la "Valse" de Chopin y la "Moonlight Sonata" de Beethoven, ambas arregladas por el flautista) encuentra a Laws adaptando algunas obras clásicas al jazz con artistas invitados que incluyen a los pianistas George Duke y Joe Sample, el baritonista Ronnie Laws y el baterista Ndugu Chancler. Si bien esa porción tiene más creatividad, solo los fanáticos más leales de Hubert Laws querrán este lanzamiento.
https://www.allmusic.com/album/my-time-will-come-mw0000095582


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Hubert Laws • Morning Star

 

Review by Thom Jurek
After the success of 1970's Afro-Classic, Hubert Laws re-teamed with arranger/conductor Don Sebesky for 1972's Morning Star, his third date for producer Creed Taylor's CTI. Laws' sidemen for the date included Ron Carter on bass, Bob James on electric piano, Billy Cobham and Ralph McDonald on drums, guitarist John Tropea, and vibraphonist/percussionist Dave Friedman. Rather than follow up Afro-Classic with another program of primarily classical numbers, Taylor, Laws, and Sebesky employed a large string, wind, and brass ensemble and went to the pop-jazz side of the spectrum. The title track of this gorgeous set is a laid-back, lilting jazz tune with Laws' flute introducing the melody, followed by a tight, economical yet lengthy and expressive James solo and the winds flowing in momentarily before the brass explodes into a gorgeous swing before disappearing again very quickly. James' solo flows through both beautifully. Laws' own break is impressionistic, yet full of elemental swing and classical flourishes. On the beautifully textured reading of "Where Is the Love," Laws' flute plays and darts soulfully around the melody as James colors the margins and Carter ushers in a groove change with his diligent lines accenting Cobham's backbeat. The strings, sweet as they are, underscore rather than overpower the band, adding an entirely different dimension to the arrangement. The reading of "Amazing Grace" is introduced slowly by Laws playing the melody in the lower register. James joins him on the changes before the strings enter sparsely at the minute mark. They color Laws' flute with elegance and a touch of Celtic hymnody. A harp duets with Laws on the third verse; violins and cellos brighten it sparely. When Carter enters, the tempo picks up; the mood changes instantly. It begins to sway, shimmer, and shift, reaching nearly transcendent heights of expression before it all quiets down to Laws' flute unaccompanied, improvising on Bach before returning to the folk roots of the song. These are just the highlights; Morning Star is a joy all the way through, whether it's in the bluesy soul-jazz of "No More" or the occasionally abstract "What Do You Think of This World Now?," which riffs on "America the Beautiful." It's Laws at his very best; it helped define the essence of CTI. 
https://www.allmusic.com/album/morning-star-mw0000921262

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Reseña de Thom Jurek
Tras el éxito de Afro-Classic en 1970, Hubert Laws volvió a colaborar con el arreglista y director Don Sebesky para Morning Star en 1972, su tercer álbum para CTI, el sello del productor Creed Taylor. Los músicos que acompañaron a Laws en esta grabación fueron Ron Carter al bajo, Bob James al piano eléctrico, Billy Cobham y Ralph McDonald a la batería, el guitarrista John Tropea y el vibrafonista y percusionista Dave Friedman. En lugar de continuar la línea de Afro-Classic con otro programa de piezas principalmente clásicas, Taylor, Laws y Sebesky emplearon una amplia sección de cuerdas, vientos y metales, incursionando en el jazz pop. El tema que da título a este magnífico disco es una relajada y cadenciosa pieza de jazz, con la flauta de Laws introduciendo la melodía, seguida de un solo de James preciso, conciso, extenso y expresivo, y los vientos haciendo una breve aparición antes de que los metales irrumpan en un swing magnífico para luego desvanecerse rápidamente. El solo de James fluye con maestría entre ambos pasajes. La interpretación de Laws es impresionista, pero a la vez rebosante de swing esencial y florituras clásicas. En la bellamente texturizada versión de "Where Is the Love", la flauta de Laws juega y se mueve con alma alrededor de la melodía mientras James matiza los matices y Carter introduce un cambio de ritmo con sus diligentes líneas que acentúan el contratiempo de Cobham. Las cuerdas, dulces como son, subrayan en lugar de eclipsar a la banda, añadiendo una dimensión completamente diferente al arreglo. La interpretación de "Amazing Grace" se introduce lentamente con Laws tocando la melodía en el registro grave. James se une a él en los cambios antes de que las cuerdas entren con cautela al minuto. Colorean la flauta de Laws con elegancia y un toque de himnodia celta. Un arpa hace un dúo con Laws en la tercera estrofa; violines y violonchelos la iluminan con sutileza. Cuando entra Carter, el tempo se acelera; el ambiente cambia instantáneamente. Comienza a mecerse, a brillar y a transformarse, alcanzando cotas de expresión casi trascendentales antes de que todo se calme con la flauta de Laws a capella, improvisando sobre Bach antes de regresar a las raíces folk de la canción. Estos son solo algunos de los momentos más destacados; Morning Star es una delicia de principio a fin, ya sea en el soul-jazz con tintes de blues de "No More" o en la a veces abstracta "What Do You Think of This World Now?", que se inspira en "America the Beautiful". Es Laws en su mejor momento; ayudó a definir la esencia de CTI.
https://www.allmusic.com/album/morning-star-mw0000921262

Freddie Hubbard • Super Blue

 

Bill Mason • Gettin' Off

 

Originally Hailing From Columbus, Ohio, Where He Was Born In July 1948, Bill Mason, The Son Of A Baptist Minister, Had First Learnt Music In Church. Starting Out On Piano He Switched To Organ In His Late Teens. Mason Had Come To Bob Porter's Attention When As Part Of The Bryant Group He Recorded At Prestige On Two Sessions In 1971. Bill Mason Proves Himself A Formidable Leader With His Solo Album, The Aptly Titled Jazz-funk Outing gettin' Off'. The Album's Physicality Is Astounding, Mason Is An Extraordinary Soulful Hammond Organist, Conjuring Spiraling, Spellbinding Grooves That Seem To Grow Deeper And More Relentless With Each Successive Track. He Also Proves His Talent As A Composer With Originals Like "mister Jay" And The Scorching Title Cut Standing Tall Alongside Covers Highlighted By Al Green's Immortal "let's Stay Together".
Gettin' Off Features Idris Muhammad On Drums, Which Means A Frenzy Of Funky Jb-influenced Over-the-top Soul-jazz Drumming. Featured On Bass Is The Legendary Gordon Edwards (known For His Work With James Brown, Weldon Irvine, Funk Inc., Aretha Franklin, Etc.) And Saxophone Duties Are Handled By Hubert Laws (quincy Jones, Gil Scott Heron, Moondog).
All Of The Above Is Carefully Overseen By Engineer Rudy Van Gelder & Producer Bob Porter (known For Their Work With Herbie Hancock, Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis...and Many Others). Bill Mason's First (and Only) Album Was Originally Released In 1972 On Eastbound Records, Super Rare And Fetching Large Sums On The Collectors Market.
https://www.deejay.de/Bill_Mason_Gettin_Off_TWM18_Vinyl__321951

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Originario de Columbus, Ohio, donde nació en julio de 1948, Bill Mason, el hijo de un ministro bautista, había aprendido primero música en la iglesia. Empezando con el piano, cambió al órgano en su adolescencia. Mason llamó la atención de Bob Porter cuando, como parte del grupo Bryant, grabó en dos sesiones en 1971. Bill Mason demostró ser un líder formidable con su álbum solista, The Aptly Titled Jazz-funk Outing gettin' Off'. La física del álbum es asombrosa, Mason es un extraordinario organista Hammond, conjurando espirales, hechizando surcos que parecen crecer más profundos e implacables con cada pista sucesiva. También demuestra su talento como compositor con originales como "Mr. Jay" y el abrasador título cortado en alto junto a portadas destacadas por el inmortal "Let's Stay Together" de Al Green.

En "Gettin' Off" aparece Idris Muhammad en la batería, lo que significa un frenesí de tambores Soul-jazz influenciados por el Funky Jb. En el bajo aparece el legendario Gordon Edwards (conocido por su trabajo con James Brown, Weldon Irvine, Funk Inc., Aretha Franklin, etc.) Y los deberes de saxofón son manejados por Hubert Laws (Quincy Jones, Gil Scott Heron, Moondog).
Todo lo anterior es cuidadosamente supervisado por el ingeniero Rudy Van Gelder y el productor Bob Porter (conocido por su trabajo con Herbie Hancock, Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis... y muchos otros). El primer (y único) álbum de Bill Mason fue lanzado originalmente en 1972 en Eastbound Records, Super Rare and Fetching Large Sums On The Collectors Market.
https://www.deejay.de/Bill_Mason_Gettin_Off_TWM18_Vinyl__321951

 

 

 

 

 

Soul Flutes • Trust In Me

Review
by Richard S. Ginell 

This is a sneaky one. Probably because Herbie Mann was under contract to Atlantic at the time, producer Creed Taylor completely omits Mann's name on the jacket and liner (A&M's Glory Of Love, by contrast, was put out as a Mann LP) and put this out under the pseudonym "Soul Flutes." The liner notes obliquely refer to a mysterious headliner known only as the Fluteman, but it's easy to tell that Mann is the flutist on this LP, backed now and then by a small choir of two to four "ghost" flutes. At any rate, it's a pretty good series of sessions, with Don Sebesky scoring subtly for the flute ensemble, Eric Gale adding his distinctive rhythm and solo guitar, and the usual A&M/CTI rhythm section of Herbie Hancock, Ron Carter and Grady Tate providing impeccable support. The tracks are short, made for airplay (some were actually heard on the air), best when translating calypso ("Day-O"), creating a golden mellow vision of "Early Autumn," or doing a rollicking turn on a country & western tune "Buckaroo" (though it fades out just as Herbie really gets rolling). Maybe one day, A&M's current custodians at PolyGram will see fit to re-release this music under its headliner's rightful name.

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Reseña:

Este es un engaño. Probablemente porque Herbie Mann estaba bajo contrato con Atlantic en ese momento, el productor Creed Taylor omite completamente el nombre de Mann en la chaqueta y el forro (Glory Of Love de A&M, por el contrario, se publicó como un LP de Mann) y publicó esto bajo el seudónimo de "Soul Flutes". Las notas del forro se refieren oblicuamente a un misterioso titular conocido sólo como el Fluteman, pero es fácil decir que Mann es el flautista en este LP, respaldado de vez en cuando por un pequeño coro de dos a cuatro flautas "fantasma". En cualquier caso, es una serie de sesiones bastante buena, con Don Sebesky anotando sutilmente para el conjunto de flautas, Eric Gale añadiendo su distintivo ritmo y guitarra solista, y la habitual sección rítmica A&M/CTI de Herbie Hancock, Ron Carter y Grady Tate proporcionando un apoyo impecable. Los temas son cortos, hechos para ser tocados en el aire (algunos se escucharon en el aire), mejor cuando se traduce el calypso ("Day-O"), creando una visión dorada y melodiosa de "Early Autumn", o haciendo un giro alegre en una melodía country & western "Buckaroo" (aunque se desvanece justo cuando Herbie se pone a tocar). Tal vez algún día, los actuales custodios de A&M en PolyGram consideren oportuno relanzar esta música bajo el nombre que le corresponde.

por Richard S. Ginell 

Grant Green • The Main Attraction

En este álbum Grant se inclina hacia el blues y el funky, lo cual puede decepcionar a su fans por abandonar en parte su estilo netamente jazzístico. En mi caso trato de escuchar el disco desde la perpectiva de la época, no olvidemos que los buenos músicos en general buscan siempre nuevos sonidos, otros enfoques a su estilo y en definitiva no quedarse con lo que dió buenos frutos.

Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros jugadores. Colaboró con muchos organistas, entre ellos el Hermano Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green jugó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

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In this album Grant leans towards the blues and the funky, which may disappoint his fans by abandoning in part his purely jazzy style. In my case I try to listen to the album from the perspective of the time, let's not forget that good musicians in general always look for new sounds, other approaches to their style and in short not to stay with what gave good results.

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Grant Green • Easy

Easy (also released as Last Session) is the final album by American jazz guitarist Grant Green featuring performances recorded in 1978, a few months before his death, and released on the Versatile label.

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

 

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Easy (también publicado como Last Session) es el último álbum del guitarrista de jazz americano Grant Green con actuaciones grabadas en 1978, unos meses antes de su muerte, y publicado en el sello Versatile.

Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros músicos. Colaboró con muchos organistas, entre ellos Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green tocó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

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Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

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